注目の若手作家3名による展覧会が大丸東京店で開催 / 出展作家インタビュー菊池玲生・樋口絢女・松岡勇樹

絵画の制度と「見ること」の構造を問う

菊池玲生は、絵画における「みる-みられる」関係などの古典的な問いや、絵画をめぐる制度への視点を、現代的な作品のなかで掘り下げる制作を行なってきた。「現代において絵画をつくること、絵を見ることとは何か？　それを考えながら制作をしています」。

その出発点は、学部から博士課程までの9年間学んだ日本画にある。今日、語られる場面が限られる日本画というジャンルについて考えるなかで、「日本画」と「それ以外」というカテゴライズや、絵画の流通の仕組みに関して関心を寄せるようになったという。

こうした興味から、初期には画中画や中国の重屏図のように、複数の画面を入れ子状に組み合わせる構成を試みた。フレーム・イン・フレームのように、画面をいくつも重ねる絵を制作するなかで、「絵画の没入性から少しずつ離れていきました」。博士課程では作家活動を本格的に意識し始めるとともに、絵画をよりメタに見る方向性に進み、そのなかで「『人が絵を見る』というプロセス自体に関心を持つようになった」と話す。

代表的なシリーズである「Copy and paste」では、北斎などの既存の図像をPhotoshop上でコラージュし、その出力を手で転写する。「構図やレイアウトはパソコン上で決め、出力したものを手描きで写し取る」というように、デジタルと手の痕跡が交差する構造を通して、絵画の存在条件を問うようなプロセスだ。

また、近年の「Seen being seen」シリーズでは、青く感光させた人型の図像や、鏡、額縁の枠を描き入れ、「絵を見るとき、同時にこちらも見られている」という視線の往復を主題化している。「朝鮮の民画や逆パースの絵からも着想を得ていて、絵がこちらを見ているという視覚の構造を比喩ではなく実際の造形として描き出すことに興味があります」 

制作におけるこだわりを尋ねると「完成度やそれに伴う視覚的な美」との返答が。「職人的な気質だと思う」との言葉の通り、見る人を意識した作品づくりを大切にしている。

「10年後も作家として続けていられるように、日々の制作を丁寧にやる」。今回の「SHIFT」展では、「Copy and paste」シリーズの新作として金を用いた作品を出品する予定だ。

ノイズとモザイクがひらく現代の日本画

樋口絢女は、古典的な絵画技法にデジタルの感覚を組み合わせながら、日本画の新たな表現を模索している。動植物を平面に描く日本の伝統絵画を踏まえつつ、そこにノイズやモザイクといった要素を加えることで、現代的な感覚を与える作品を制作してききた。

絵を描き始めたのは小学校の頃。お絵描き教室に通いながら、アニメや漫画に夢中になったという。とりわけ『デスノート』『バクマン。』の小畑健や、『SLAM DUNK』『ONE PIECE』などの作品に見られる「線の美しさ」に惹かれ、自身でも線にこだわりながらイラストを描いていた。中学3年のとき、そんな姿を見た絵の先生に、「日本画が向いているのでは」と勧められたことをきっかけに、いまの世界に進むことを意識した。

しかし、大学に入るための予備校時代は「形を取ること」が大きな壁になったという。「自分の描く形はいつもどこか歪んでしまう。客観的に見ることができず、人からは変な形だねと言われることが多かった」。ただ、その線の癖に悩みながらも、それを自分の個性として受け入れ、作品のなかに取り込もうと考えるようになった。「苦手意識をネガティブに捉えるのではなく、作品に面白く加えられないかと思った」と振り返る。

やがて、ノイズやモザイクを導入することで、絵の中に意図的な歪みや曖昧さを生み出す試みが始まった。画面のなかに違和感をつくり出し、見る人が「これは何だろう」と立ち止まるような画面をつくる。絵の前で長い時間を過ごしてもらったり、そこから生まれる鑑賞者との対話も大切にしている。「どうしてこうなっているのかと聞かれたとき、言葉でやりとりすることも含めて作品だと思っている」と語る。

モチーフを決める際には、実際に動植物などを取材する。生きているものの形や立体感を観察し、それをどう自分の絵に落とし込むかを模索。「絵を描くうえで、そうした取材のプロセスはとても大事だと思っています」。その観察のまなざしは、山種美術館に収蔵されている田能村直入《百花》など、古典作品との出会いから影響を受けたものでもある。「長い絵巻に数多くの季節の花々が描かれていて、初めて見たときに強い印象を受けました」。観察と描写への眼差しは、自身の制作にも受け継がれている。

絵に遊び心を持ち込むことも大切にしている。「日本画は伝統的で閉鎖的な印象を持たれがちだけど、もっと自由でポップな表現があってもいいと思う」と語る樋口。琳派や狩野派のような古典に学びながらも、ピクセルアートのような軽やかさを取り入れ、それを今の時代に馴染ませる姿勢には、現代における日本画のあり方を探る姿勢がうかがえる。今回の「SHIFT」展には、100号の大作《神の領域》を出品する予定だ。

変化と循環を見つめるまなざし

松岡勇樹もまた、日本の風土に根ざした絵画の可能性を、現代に引き寄せながら見つめ直している。とりわけ近年は、「はじまりもおわりもない」と題し、生成と消滅を繰り返す自然現象などに着想を得た、墨による点描のシリーズを手がけている。

学生時代から一貫して日本絵画を学び、「古い技法を学びつつ、いまの時代にどうつなげるか」を問いながら制作を続けてきた。初期には障壁画などの構造を参照しつつ、日本人と自然の関係や、風景を愛でる感覚、そこにある時間感覚や美意識を探っていたという。

そのなかで「自然そのものの時間を表すものは何か」という問いに出会った松岡は、「大地の中の『内臓』のように見える鍾乳洞」に着目。その岩の形が脊髄や滝のように見えたことから、「水や時間、重力がつくる自然の造形には類似性がある」と感じ、和漢の要素を融合した狩野派も参照しつつ、それを、異なる素材を画面に共存させながら表現した。

その後の転機となったのは、大学院修了の時期と重なったコロナ禍と、交通事故で右肩の組織を断裂したことによる手術と入院だった。作家としてこれからの時期に訪れた困難な状況のなかで、松岡は窓から見える雲の変化に「はじまりとおわり」という言葉を意識し始める。その後、恩師の助言もあり、利き手ではない左手で、手元にあったメモ帳とマジックを使い、窓外を見ながら制作を再開。2度目の手術や、身近な人の死など、非常に目まぐるしい変化のなかで、変化そのものを主題に据える現在の制作へとつながった。

近作の《ひとつのはじまりからNo.1》（2025）のような作品では、太陽や月の周りを雲が動く像、超新星爆発の生成と崩壊、植物や水のパターンなど複数のイメージが起点になり、スケッチを重ねて蓄積された形が響き合う。「単体のモチーフを決めてなぞるのではなく、下書きなしで、描きながら生まれる像を受け取る」のがシリーズの特徴だという。

制作を貫くのは、「生きることとつくることの一致」という考えだ。伝統を学ぶことは大切だが、それをなぞるだけでは意味がない。「なぜ花や雲を描くのか。その理由が自分の生き方と結びついていなければならない」と松岡は言う。描くことは、自身の内面と外の世界が交わる場所であり、「描くことは世界を獲得していく行為」であると語る。

今回の「SHIFT」展には、「ひとつのはじまりから」の新作を出品。同シリーズでは、これまでのモノクローム中心だった画面に、太陽を覆う雲のプリズムのような光から着想を得て、金や色彩が加わった。その作品世界は、いまもなお変化を続けている。

3者3様のあり方で、日本画を出発点とし、現代的な制作を模索する今回 の出品者たち。その表現の現在地を、展示会場でぜひ目撃してほしい。